Имея двойную специализацию в области машиностроения и театра, выпускница Алайо Олоко часто оказывается в западной части кампуса Массачусетского технологического института, в здании W97, где расположена академическая театральная программа Массачусетского технологического института.
Будучи актрисой, дизайнером и членом технической команды студенческого театра Массачусетского технологического института, Олоко наблюдала за хаосом «недели технологий», когда дизайнерские решения и репетиции происходят в быстрой последовательности. Она рассматривает театр как командный вид спорта: «Если вы ошибетесь или уроните мяч, это повлияет не только на вас. Это влияет на все производство и на конечный продукт», — говорит она.
Но, как и командные виды спорта, театр – это прежде всего своего рода игра, будь то в центре внимания, за кулисами или в классе. «Мы всегда смеемся во время репетиций или технических встреч, потому что нас всегда окружает группа других творческих людей. И мы обмениваемся идеями друг с другом, потому что нас всех объединяет общая цель», — говорит Олоко.
Проектирование для театра
В мире театра команда художников, режиссеров и актеров часто с помощью режиссера выводит на сцену авторский текст. Традиционно обязанности дизайнера в театре выполняют разные люди: художники по декорациям, звуку, свету и костюмам составляют ядро дизайнерской команды. Как и в спорте, каждый член команды несет ответственность за то, чтобы проявить свои лучшие качества и сотрудничать с командой в целом.
Будь то интерпретация «Макбета» Шекспира или более современный текст, каждый сценограф имеет возможность внести свой уникальный вклад: дизайн, вдохновленный его личным опытом. «Если вы чувствуете это лично, публика тоже это почувствует», — объясняет он. Сара Браунпрофессиональный сценограф, профессор театра Массачусетского технологического института и член Академия дизайна Морнингсайд (MAD) Консультативный совет факультета.
Театральные дизайнеры могут использовать свой личный опыт для создания миров с «трением» — метафорой эмоционального труда, который люди должны проделывать, чтобы адаптироваться к новым идеям, представленным в художественном произведении. «Это мир с противоречиями, с которыми приходится иметь дело актерам, режиссеру или зрителям», — говорит Браун.
Такая интеграция личного опыта в дизайн оказывается важной для культурной функции театра: предложить зрителям почувствовать себя представленными или сопереживать различным точкам зрения и, более того, отразить тонкости реальной жизни.
Однако молодым дизайнерам может быть сложно опираться на собственный опыт. Как и в случае с детьми, играющими в салки или строящими замки из песка, игра — это возможность экспериментировать в безопасной среде и развивать социальные и эмоциональные навыки, но это не обходится без усилий.
Играйте на практике — исследуйте звук
Хотя на практике профессиональная театральная постановка, как известно, очень рискованна из-за таких ограничений, как строгие сроки и бюджет, академическая обстановка, напротив, позволяет студентам отложить в сторону проблемы реального мира и лучше охватить творческий и выразительный процесс игры.
«Мы не зря называем их пьесами. Это не просто игра слов», — говорит Кристиан Фредериксон, звукорежиссер и технический профессор музыки и театра Массачусетского технологического института. «Процесс обучения должен приносить удовольствие», — добавляет он.
Как звукорежиссер, Фредериксон создает звуковые сигналы и музыку для сопровождения живого выступления, принимая решения о том, где вовремя разместить эти сигналы и когда лучше всего позволить тишине говорить.
«Звуковой дизайн в театре — это не создание или попытка воспроизвести реальность. Речь идет о поиске способов внести свой вклад в повествование наиболее прямым и элегантным способом, по крайней мере, для меня, а в нашем современном мире много шума. Если мы попытаемся повторить это в театре, получим беспорядок. Так что речь идет о совершенствовании и поиске наиболее прямого способа рассказать историю или помочь аудитории получить эмоциональный опыт», — объясняет он.
Первый урок Фредериксона — изучение вашего личного стиля. На его занятиях 21Т.223 (звуковое оформление) и 21Т.232 (Производя подкасты), Фредериксон знакомит студентов с этими областями посредством «игры», которую он называет «Все — это инструмент». «Причина, по которой я называю это «игрой», заключается в том, что я думаю, что это весело, и я думаю, что моим ученикам это нравится, потому что здесь нет особых правил», — говорит он.
В игре Фредериксон и его ученики делают короткую запись «предмета повседневного использования», например металлической бутылки с водой или листа бумаги. Продемонстрировав возможности Adobe Audition (рабочая станция для работы с цифровым звуком), он позволяет студентам манипулировать аудиосэмплом и начать находить свой собственный стиль.
«Если в классе 20 учеников, мы получим 20 совершенно разных результатов из одной и той же выборки», — говорит Фредериксон. «Я вижу, что этот студент создает очень чистые, интересные, фактурные произведения, и что этот человек всегда пытается превратить свой образец во что-то театральное. »
Опытный музыкант, Фредериксон считает, что его звуковые произведения обладают музыкальным качеством, даже если иногда он сочиняет музыку под звуки вертолетов и взрывов, а не под звуки инструментов. Играя в игру, учащиеся опираются на свои личные интересы и опыт, чтобы наполнить свои звуковые творения, тем самым влияя на произведение.
Реагируйте и резонируйте с дизайном
«[Theater design] «Это не просто просьба адаптироваться к задаче. На самом деле он просит вас продолжать это делать», — говорит Сара Браун. По ее мнению, именно это отличает театральный дизайн от других философий дизайна. Чтобы раскрыть свой личный опыт, Браун просит дизайнеров задуматься: «Прежде всего, как вы лично взаимодействуете с материалом физически?» »
Как и в пьесе Фредериксона «Все есть инструмент», Браун знакомит своих учеников с театральной сценографией, играя с обычными материалами. Во время одного из первых классных упражнений по курсу 21T.220 (Дизайн декораций) учащиеся небольшими группами обшаривают корзины, заполненные макулатурой, тканью и картоном, руководствуясь запоминающимся словом, которое направляет их видение и руки.
Художники-декораторы работают на основе сценариев и референсов, чтобы разработать план всей декорации, от типа пола до добавления стен и платформ. Традиционный метод представления дизайна декора — создание физической модели. Работая над моделью театрального пространства «черный ящик» W97, студенты помещают в модель свои ненужные материалы; оценивая свои проекты, они начинают обретать форму. Браун объясняет: «Мы начинаем понимать, что когда вы принимаете дизайнерские решения, вы принимаете дизайнерские решения в ответ на реальность. »
Скромный выбор материалов и использование руководства побуждают студентов-сценографов, таких как Верозе Агбинг и Алайо Олоко последнего курса, без колебаний делать выбор дизайна, противодействуя тем самым ужасному «беспокойству о пустой странице», вызванному чрезмерными размышлениями.
Для Олоко такое «быстрое и простое прототипирование» необходимо, чтобы увидеть, работает ли что-то. «Если так, то отлично. Если нет, то отлично, это не заняло много времени», — говорит она.
Но упоминание Брауном «реальности» не следует путать с «реальной жизнью». Фактически, Браун призывает студентов отказаться от любых представлений об ограничениях реальной жизни. Олоко, которая также участвует в студенческом театре вне класса, предлагает: «Представьте, что бы вы могли сделать, если бы могли сойти с ума, а затем выясните, какие части этого работают в этой обстановке… В вашем первоначальном проекте, если вы ограничите себя по бюджету вы рискуете чрезмерно ограничить себя, даже не осознавая этого. »
«Моим лозунгом в классе стало: «Это не OSHA». [Occupational Safety and Health Administration] «Я всегда был художником, у меня есть сертификат, потому что… поначалу я определенно зациклился на идее возможности остаться в реальной жизни», — говорит Агбинг. Вдохновленный современным экспериментальным театральным дизайном, Агбинг рассказывает, как он постепенно отказался от этих предубеждений, найдя в программном обеспечении еще более обогащающую и гибкую платформу для проектов театрального дизайна.
Студенты-сценографы учатся использовать Vectorworks, программу архитектурного моделирования, в сочетании с Twinmotion, программой 3D-визуализации, в современном подходе к театральному дизайну. «Используя это программное обеспечение, я смог создать прекрасное сочетание контрастов освещения, и возможность манипулировать этой интенсивностью была очень важна», — отмечает Агбинг.
Как игра нас объединяет
Хотя MIT Theater придерживается игривого подхода к дизайну, это не означает, что его цели ограничиваются развлечениями и играми. «Я не думаю, что в театре ставки ниже, вовсе нет», — говорит Фредериксон. Как педагог, он рассматривает театр в Массачусетском технологическом институте как безопасную среду для студентов, где они могут «исследовать индивидуальное самовыражение» и «развивать дизайнерские навыки, о которых они даже не подозревали, что им нужно или которые они хотели бы использовать».
Поскольку театр не преследует цели воспроизвести реальность, он предлагает дизайнерам и зрителям возможность «притвориться», что они обдумывают сложные идеи на расстоянии. Погружение в вымышленный мир — это возможность для зрителей почувствовать себя представленными, рассмотреть новые идеи и развить сочувствие. Для театральных дизайнеров процесс создания спектакля позволяет изучить многогранный личный опыт, который может быть трудным или сложным.
Вторя мнению Фредериксон, технический инструктор и видеодизайнер Джош Хиггасон, которая предлагает курсы по светодизайну (21T.221) и интерактивному дизайну и проекции для живых выступлений (21T.320), считает, что вместе со своими учениками «есть чему поучиться». как проявлять сочувствие, как устанавливать связи, как укреплять связи и как говорить о трудных вещах, когда мы только начинаем». »
В конце семестра, вооружившись инструментами для вдумчивого выражения «больших идей и больших эмоций», театральные дизайнеры и зрители становятся членами более широкого сообщества, способного лучше справляться с разногласиями и преодолевать разногласия. Хиггасон размышляет: «Один из [theater’s] «Цель — рассказывать истории людей и отдельных личностей. Но оно также может представлять собой более масштабные и универсальные истории или переживания. »
